挪威著名畫家愛德華·蒙克（1863-1944）生前在北歐的斯堪的納維亞半島、德語國家，以及小範圍的在一些歐洲國家裡名氣不小，直到第一次世界大戰之後，他的知名度也就日漸消弭。現在他的畫名雖已被廣為人知，但他的作品卻可悲地被人們簡化的只剩下代表作，就如梵高被簡化為斷耳自畫像，畢加索被簡化為《亞維農少女》（1907）那樣。
就蒙克而言，是他創作的著名作品《吶喊》（1893-1917），被無休止地複製和改變。本次在巴黎奧賽博物館舉行的蒙克作品回顧展中，這幅代表作是以藝術家在1895年繪製的石版畫的版本出現，表面上展覽並沒有突出這一作品。而且具有充分的理由：展覽的目的是用一百多幅作品，不管是畫布的還是紙質的，儘可能完整地呈現蒙克的藝術創作，遠離平庸。
本次回顧展雖然展出了許多他最著名的作品，如1891-1896年創作的《憂鬱》和1892年的作品《卡爾-約翰大街的夜晚》，但蒙克其他那些不那麼令人期待的作品，至少和也和他的知名作品一樣，有着同等的地位，如名為 "林德壁畫 "的木板畫。這幅作品以德國藝術贊助人馬克斯-林德的名字命名，1904年他向挪威藝術家委託創作了這幅作品，可當林德看到成品時就拒絕了，因為在他看來，這幅作品不適合放在自己孩子的卧室里。
展覽的另一個特點是：展出了蒙克作品中反覆出現的主題的幾個不同版本，如《吸血鬼》或《橋上的女人》，不同的版本，創作時間有時相隔幾十年，從而顯示出蒙克直到一戰時，是如何嘗試以不同的表現方式，創新，以及風格的轉變，這使得當時的畫評家和藝術愛好者感到不解，當然這是委婉的說法。
所以，嚴格的堅持作品創作的時間順序是沒有意義的，展覽的策展人克萊爾-貝納爾迪也擺脫了這一點，她更喜歡邀請觀眾自行對畫作進行比較、發現驚喜。這種對創作過程及其節奏的關注是如此明顯，因為用油畫、素描、平版印刷和木雕處理同一主題的幾種表現方式有時還並列展出。
從一個到另一個，這些變化既可以是形式的，也可以是補充元素的增加。除了不斷的實驗，沒有其他規則，直到蒙克生命的最後幾年，在1940-1943年創作的一幅自畫像中，蒙克同時從正面和側面展示自己，以畢加索式的粗暴方式，進行交叉畫線、塗抹着的明黃色背景帶給人一絲絲酸澀感。
除了這絲絲酸澀，同時讓人想起的還有：塞尚、梵高、馬蒂斯和德國表現主義藝術家團體——“橋社（Die Brücke）”的畫家們--基希納、諾爾德。蒙克在1934-1940年創作的作品《橋上的女人》用馬蒂斯式的視角來看，就是一幅野獸派風格的作品。1920年畫的《白夜、內心煎熬的自畫像》具有塞尚最後一幅肖像畫的特點。
通過展示這些不為人熟知的作品，奧賽博物館的回顧覽將它們的作者置於一個開放的繪畫史中。而從歷史上來說這是恰如其分的：蒙克經常旅行，且常常遠離他的家鄉挪威，在巴黎和柏林都駐足停留了好幾年，並在歐洲的這兩個大都市和其他歐洲國家展出作品。他觀察同時代的畫家，從莫奈的印象派到馬蒂斯的野獸派，甚至可能還看過康定斯基的作品。他還閱讀了大量他那個時代的戲劇文學作品和尼採的著作。
因此，本次回顧展所展示的是在工作室里正在創作的蒙克，可以近距離觀察。但他畫的是什麼呢？是他所有同時代人生活中都有的共同點：同樣的慾望、同樣的焦慮、同樣的幻想、同樣的失敗。而所有這一切從一開始就不斷地，有意識地從親密的特殊走向一種視覺的精神分析。